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CHO HUI CHIN is a London-based British artist of Dutch and Japanese heritage with a Chinese background. Her practice spans sound, painting, sculpture, performance, installation, and writing, yet its core is not medium-based but organised around a continuously operating structural system — a long-term investigation into dismantling, transforming, and reorganising language, perception, and conditions of existence. All of CHO HUI CHIN’s works are original. Their conceptual formation, formal logic, and developmental structures are conceived, constructed, and directed by the artist herself. Her sound works constitute only one facet of this system: from traditional artistic forms, painting, sculpture, objects, sound structures, personal aesthetics (her aesthetics of blankness), texts, and sound sources to formal construction, all are embedded within the same creative mechanism. In her sonic practice, her work does not belong to “music,” nor does it align with any genre culture. What she constructs is an as-yet-unnamed linguistic and perceptual structure — an artistic mode of presentation operating between sound, image, body, and time, concerned with modulating how experience is entered rather than representing experience itself. Within CHO HUI CHIN’s system, melody is treated as colour, rhythm as material, and silence as a constructible spatial condition. Her sound works therefore function closer to site-events than to linear listening objects: narrative is removed, replaced by relational structures formed through pressure, timing, density, and restraint. Her sonic language moves between linguistic construction, sculptural minimalism, and poetic confrontation. The works deliberately exclude pre-scripted emotion and designed atmospheres. They do not seek affective immersion, nor staged intimacy. The artist’s own presence is positioned as a material condition, allowing the work to become a structural contact between the viewer and states of existence. What remains is not emotion, but a highly controlled field of tension — language sharpened into sound, sound disciplined into structure.

Painting / Infant Core Structure

On a visual level, CHO HUI CHIN’s painting and sculptural work is structured around the recurring figure of the infant. These infants are not characters, narrative subjects, or symbols, but constructed “vessels” — built to contain contradiction, rupture, desire, vulnerability, and unnamed states. They do not point to childhood or innocence, but to a form of existence that has not yet been fully organised. These figures do not represent bodies; they operate on how the body becomes a site. Existing as structural devices, they redirect viewing away from recognition and toward the conditions through which perception is produced. Within CHO HUI CHIN’s system, the infant figure is an unformed body: a vessel capable of being infused, displaced, burdened, and rendered dysfunctional. Through them, painting ceases to be an image and becomes a testing ground for perception and conditions of existence. Through these vessels, what she addresses is not the image itself, but how images bear pressure, how they fail, and how they become sites where language and perception can no longer securely settle. The infant is not a subject, but a method — a means of rupturing habitual vision, tearing open symbolic structures, and re-exposing perception. Across the wider system, infant figures, aesthetics of blankness, and the structural use of transience form her methodological core. She does not treat the fleeting as sentiment, but as a calibration mechanism: a system grounded in blankness, delay, and ephemerality, through which conditions of existence are adjusted rather than meaning produced. Within her creative logic, each work is not a product, but a fleeting state. The works refuse entertainment and resist market tempo. They operate instead as devices for configuring perceptual conditions — a contemporary textual system rather than a production of content. She has a strong academic background, having completed her BA at the Slade School of Fine Art, UCL (First-Class Honours, Dean’s List), and an MA in Painting at the Royal College of Art. She is currently undertaking doctoral research (institution undisclosed for privacy and personal safety). Her work has been exhibited in London, Paris, Tokyo, and New York, and featured in British Vogue, LA Weekly, and Forbes. CHO HUI CHIN’s practice does not seek merely to express, but to reset conditions — making silence something that can be experienced as structure.

CHO HUI CHIN est une artiste britannique basée à Londres, d’ascendance néerlandaise et japonaise, avec un héritage chinois. Sa pratique traverse le son, la peinture, la sculpture, la performance, l’installation et l’écriture, mais son noyau ne repose pas sur le médium : elle s’organise autour d’un système structurel en opération continue — une recherche de long terme consacrée au démontage, à la transformation et à la recomposition du langage, de la perception et des conditions d’existence. Toutes les œuvres de CHO HUI CHIN sont originales. Leurs formations conceptuelles, leurs logiques formelles et leurs structures de développement sont conçues, construites et dirigées par l’artiste elle-même. Ses œuvres sonores n’en constituent qu’un des aspects : des formes artistiques traditionnelles, de la peinture, de la sculpture, des objets, des structures sonores, de son esthétique personnelle (esthétique du blanc), des textes et des sources sonores jusqu’à leur construction formelle, tout est intégré au même mécanisme créatif. Dans sa pratique sonore, son travail n’appartient ni à la « musique », ni à une culture de genre. Elle construit une structure linguistique et perceptive encore sans nom — un mode de présentation artistique opérant entre son, image, corps et temps, visant non pas à représenter l’expérience, mais à moduler la manière dont on y entre. Dans le système de CHO HUI CHIN, la mélodie est traitée comme couleur, le rythme comme matière, et le silence comme condition spatiale constructible. Ses œuvres sonores se rapprochent ainsi d’événements de site plutôt que d’objets d’écoute linéaire : le récit est retiré, remplacé par des structures relationnelles formées par la pression, la temporalité, la densité et la retenue. Son langage sonore circule entre construction linguistique, minimalisme sculptural et confrontation poétique. Les œuvres excluent volontairement toute émotion pré-écrite et toute atmosphère conçue. Elles ne recherchent ni immersion affective, ni intimité mise en scène. La présence même de l’artiste est positionnée comme condition matérielle, permettant à l’œuvre de devenir un contact structurel entre le regardeur et des états d’existence. Ce qui subsiste n’est pas l’émotion, mais un champ de tension hautement contrôlé — le langage aiguisé en son, le son discipliné en structure.

Peinture / Structure centrale des figures infantiles

Sur le plan visuel, la peinture et les formes sculpturales de CHO HUI CHIN s’organisent autour de la figure récurrente de l’enfant. Ces figures ne sont ni des personnages, ni des sujets narratifs, ni des symboles, mais des « récipients » construits — destinés à contenir contradiction, rupture, désir, vulnérabilité et états sans nom. Elles ne renvoient ni à l’enfance ni à l’innocence, mais à une forme d’existence encore inachevée. Ces figures ne représentent pas des corps ; elles interrogent la manière dont le corps devient un site. En tant que dispositifs structurels, elles déplacent le regard hors de la reconnaissance pour le diriger vers les conditions de production de la perception. Dans le système de CHO HUI CHIN, la figure infantile est un corps non formé : un récipient susceptible d’être investi, déplacé, chargé et rendu défaillant. Par leur intermédiaire, la peinture cesse d’être image et devient un champ d’expérimentation des conditions de perception et d’existence. À travers ces récipients, elle ne traite pas de l’image elle-même, mais de la manière dont les images supportent la pression, échouent, et deviennent des lieux où langage et perception ne peuvent plus se stabiliser. L’enfant n’est pas un sujet, mais une méthode — un moyen de rompre les habitudes de vision, d’ouvrir les structures symboliques et de ré-exposer la perception. Dans l’ensemble de son système, figures infantiles, esthétique du blanc et usage structurel de l’éphémère constituent son noyau méthodologique. Elle ne traite pas le fugitif comme sentiment, mais comme mécanisme de calibration : un système fondé sur le blanc, le retard et l’instantanéité, par lequel les conditions d’existence sont ajustées plutôt que du sens produit. Dans sa logique de création, chaque œuvre n’est pas un produit, mais un état fugace. Les œuvres refusent le divertissement et résistent au tempo du marché. Elles opèrent comme des dispositifs de configuration des conditions perceptives — un système textuel contemporain plutôt qu’une production de contenu. Elle est diplômée de la Slade School of Fine Art, UCL (First-Class Honours, Dean’s List), et du Royal College of Art (MA Painting), et poursuit actuellement une recherche doctorale (institution non divulguée pour des raisons de confidentialité et de sécurité personnelle). Son travail a été présenté à Londres, Paris, Tokyo et New York, et publié dans British Vogue, LA Weekly et Forbes. La pratique de CHO HUI CHIN ne vise pas à exprimer, mais à reconfigurer les conditions — faisant du silence une structure susceptible d’être vécue.

CHO HUI CHIN 卓卉芹是一位定居倫敦的英籍荷蘭、日本華裔藝術家。她的創作實踐橫跨聲音、繪畫、雕塑、行為藝術、裝置與寫作，但其核心並不建立於媒材，而建立於一套持續運作中的結構系統——一種針對語言、感知與存在條件進行拆解、轉換與重組的長期實驗。卓卉芹的所有作品皆為原創，其概念生成、形式邏輯與發展結構皆由本人構思、架構與主導。她的聲音作品只是此系統中的一個切面：從傳統藝術形式、繪畫、雕塑、物件、聲音作品結構、個人美學（留白美學）、文本、聲源到形式構成，皆嵌入於同一套創作機制之中。在聲音創作上，她的實踐並不歸屬於「音樂」，也不指向任何類型文化。她所建立的是一種尚未被命名的語言結構與感知結構——一套介於聲音、視覺、身體與時間之間的藝術呈現方式，用以調整人如何進入經驗，而非再現經驗。在卓卉芹的系統中，旋律被視為色塊，節奏被視為材料，沉默被視為可被建構的空間條件。聲音作品因此更接近場域事件，而非線性聆聽對象：敘事被撤除，取而代之的是由壓力、時序、密度與節制所構成的關係結構。她的聲音語言游移於語言構造、極簡雕塑與詩性對峙之間。作品刻意排除預設情緒與設計化氛圍，不以感染為目的，也不製造表演性的親密。藝術家自身被置入為一種媒材條件，使作品成為觀看者與存在狀態之間的結構性接觸。留下的不是情緒，而是一個被高度控制的張力場——語言被磨利為聲音，聲音被紀律為結構。

Painting / 嬰孩核心結構

在視覺層面上，卓卉芹的繪畫與造型創作以反覆出現的嬰孩形象作為核心結構。這些嬰孩並非角色、敘事對象或象徵物，而是一種被建構出的「容器」——用以承載矛盾、斷裂、慾望、脆弱與尚未被命名的狀態。它們不指向童年，也不指向純真，而是一種尚未被組織完成的存在形式。這些形象並非再現身體，而是在處理「身體如何成為場域」。它們作為結構裝置存在，使觀看不再停留於形象辨識，而轉向感知如何生成。在卓卉芹的系統中，嬰孩形象是一種尚未定型的身體：一個可被灌注、錯置、承載與失效的存在容器。它們使繪畫不再是畫面，而成為感知與存在條件的試驗場。透過這些容器，她處理的不是形象本身，而是形象如何承受壓力、如何失效、如何成為語言與感知無法穩定落位之處。嬰孩在此不是主題，而是方法——一種用以破壞觀看慣性、撕開象徵結構、使感知重新暴露的構作方式。在整體系統中，她以嬰孩形象、留白美學與對稍縱即逝狀態的結構性運用為方法論核心。她不將短暫視為感傷對象，而將其視為校準機制：一種以留白、延遲與瞬逝為基礎的結構系統，用以調整存在條件，而非輸出意義。在她的創作邏輯中，每一件作品都不是產品，而是一個短暫場態。作品拒絕娛樂性，也拒絕順從市場節奏。它們更接近一種感知條件的設定裝置——一種當代文本系統，而非內容生產。她具有扎實的學術背景，BA 畢業於倫敦大學學院 Slade 藝術學院（First-Class Honours, Dean’s List），並取得英國皇家藝術學院繪畫碩士學位，目前持續進行博士研究（基於隱私與人身安全考量，博士機構暫不公開）。其作品曾於倫敦、巴黎、東京與紐約展出，並獲 British Vogue、LA Weekly、Forbes 等媒體報導。卓卉芹的創作不只是試圖表達，而是重設條件—— 使沉默成為一種可被經驗的結構。